1. Bilanciamento delle luci (con materiale generico)
2. Correzione dell’esposizione (dopo l’applicazione delle texture)
3. Aggiunta riflessioni (lucide e meno lucide)
4. Preparazione al render finale

Immagino questi 4 passaggi come una collina da superare:

Un inizio ripido, un punto di riposo e verifica, per finire con discesa lunga ma molto più semplice.

Nel 1° step si tratta “solo” di mettere le luci in scena, stabilire chi comanda (luce primaria) e di conseguenza aggiungere le luci secondarie, di schiarita, faretti e così via.  Il tutto utilizzando un materiale grigio default (equivalente in fotografia del grigio kodak 18%).

Paradossalmente questo è – da un punto di vista tecnico - lo step più semplice, ci sono infatti pochi parametri a cui badare, ma è artisticamente il momento più complesso. Chi è molto bravo con i parametri, in questa fase solitamente soffre pene disumane! Eh sì, perché non è “il parametro” che fa la differenza, ma il modo in cui le luci sono in rapporto tra di loro. E’ un po’ come fare un minestrone con pochi ingredienti. Se non è tutto perfettamente bilanciato rischia di essere salato, insipido, troppo acquoso o che sa di dado.

Un bilanciamento delle luci ben riuscito tridimensionalizza l’immagine, ci fa cogliere i volumi e dà profondità. Un bilanciamento fatto male rende tutto piatto. Dopo puoi di aggiungere materiali, sfondi, faretti, smanettare sui paramentri: il bilanciamento delle luci sono le fondamenta dell’immagine, se le fondamenta non sono solide il palazzo sarà sempre traballante.

Al contrario, in una scena basata su un ottimo bilanciamento potrai fare di tutto: aggiungere oggetti, modificare un materiale, mettere punti luce, andrà sempre bene, anzi migliorerà sempre più l’impatto poiché ogni aggiunta – che abbia un minimo di cognizione – contribuirà ad aggiungere dettagli e migliorarne la composizione.

Il mio consiglio è quello di assicurarsi che il bilanciamento funzioni al meglio prima di procedere. Provare anche il punto 2, alle volte i colori in gioco danno contrasto e ci risolvono dei problemi, ma non andare mai oltre se l’immagine non va! Nella quasi totalità dei casi, tutti i problemi si annidano nell’inizio.

Del resto tutti lo sappiamo: il buongiorno si vede dal mattino.

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ESEMPIO PRATICO – Francesco Romanucci / studente - Bilanciamento luci: OK
( Alla sua prima esperienza con il rendering )

Analisi dell’illuminazione: Ogni luce ha un ruolo
(primaria, secondaria, riempimento)

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Render finale + correzione colore : Sono stati solo aggiunti i materiali (tempo di realiz.: 1 giorno )

CONCLUSIONE

La luce nelle 2 immagini è distribuita allo stesso modo. Dopo il bilanciamento basta aggiungere i materiali ed il render è finito. Chi ha fatto il mio corso sa che la simulazione dei materiali si impara in una mattina, non è quello il problema. Il punto cruciale è proprio il momento iniziale.

Si tratta di bilanciare il peso delle luci e capire quale combinazione rende più tridimensionale e profonda la scena. Nessun parametro potrà aiutarti, solo l’immaginazione :-)

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PROSSIMO CORSO DI RENDER FOTOGRAFICO
Roma 2-6 Marzo / Applicativo V-Ray per Rhino

- In collaborazione con RhinoBlog.it -

Negli interni la luce decade in modo evidente. La luce in prossimità di una finestra è decisamente più intensa che nel lato opposto. Questo decadimento della luce dà luogo ad una serie di sfumature che rendono in media un interno più ricco, più interessante, o semplicemente più “bello” di un esterno.

Negli esterni questo fenomeno non è tangibile. Essendo un esterno illuminato (solitamente) dal sole, la quota di decadimento è inesistente. Può esserci una differenza luminosa tra Venere e Terra, ma non tra l’albero illuminato in primo piano e l’edificio alle spalle! Per loro la luminosità sarà identica. Di conseguenza il rischio è quello di avere un’immagine piatta. Ecco perché, in particolare negli esterni, la scelta dell’inquadratura e della posizione del sole è determinante: Sono le armi primarie che abbiamo per valorizzare il nostro manufatto architettonico.

Domande del tipo: « Ma allora.. come posso avere una luce più bella? » non mi piacciono. Nel mio modo di vedere il Render Fotografico la domanda giusta è sempre fatta a computer spento: “nel mondo reale, cosa rende bella e ricca la luce?”

Ci sono vari fattori: l’atmosfera, l’inclinazione del sole, la presenza di nuvole che filtrano i raggi solari e così via. Per riprodurre questa varietà di fattori possiamo utilizzare una mappa HDRI, una “specie” di istantanea in grado però di memorizzare molte più informazioni di una classica foto. Con un HDRI è possibile catturare la luce/ambiente di un determinato luogo e riprodurre il tutto in una qualsiasi scena 3d. Insomma proprio quello che fa per noi!

In una buona HDRI, abbiamo già armonizzati in sé vari aspetti:

• La luce del sole
• Luminosità del cielo (incluso eventuali nuvole)
• Le riflessioni su vetrate, ringhiere metalliche ecc..

Una HDRI di alta qualità può da sola riprodurre il sole senza bisogno di avere alcuna V-Ray Sun in scena! Se ci pensiamo è ovvio: se il sole era presente al momento della “cattura” allora è già incluso nella mappa stessa. E se la mappa è di qualità, allora può da sola produrre ombre nitide. (vedi esempio in basso)

« Caro Ciro, ma non potevi dirci subito di usare una HDRI per avere un esterno più bello e basta? »

L’avrei fatto se avessi voluto scrivere un tutorial, ma preferisco darvi una visione d’insieme, una lettura “superiore” delle situazioni e delle problematiche per andare in modo consapevole verso la soluzione. Chi ha frequentato uno dei miei corsi/meeting sa bene quanto è importante la consapevolezza rispetto al semplice e meccanico utilizzo di uno strumento.

In questo breve video mostro una semplice applicazione utilizzando una sola V-Ray light in modalità “Dome” (ovvero “cupola luminosa”).

(Le mie HDRI preferite sono quelle di Peter Guthrie: credo siano in assoluto le migliori in circolazione)

A buon render

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Sono in programmazione  CORSI nelle città di Caserta (9-13 Febbraio), Roma (2-6 marzo, 13-17 Aprile), Torino (18-22 Maggio). Tutte, ma proprio tutte,  le informazioni qui > http://www.grafica3dblog.it/corso

FumeFX è un plugin per 3ds Max per la simulazione di fuoco, fumo, esplosioni. Roba da far sgranare gli occhi a qualunque appassionato di computer grafica e 3d.

E’ successo qualche giorno fa, un amico mi ha chiesto se avevo dei tutorial (meglio se  videotutorial) in cui si poteva osservare come ci si muove con questo magnifico plugin. Ricordavo molto chiaramente di avere degli ottimi video (anche se di qualche anno fa) di un tal Tensun3D.

Ho cercato, cercato.. ed alla fine li ho ritrovati. Sono 2 videotutorial: il primo base il secondo più avanzato. Li condivido con voi, sicuro che vi farà solo piacere!

• Download 1 – Tutorial Fume Fx – Base
• Download 2 – Tutorial Fume Fx – Avanzato

Altri link utili:

• ( Altri video su FumeFX )
• ( Un sito dedicato al FumeFX training )
• ( Dai uno sguardo alla Gallery FumeFX )

A buon render

PS Prometto un articolo su Phoenix, il nuovo simulatore che farà “fuoco e fiamme”, non appena riesco a metterci su le mani!

Ciao e bentrovati! :-)

Sentivo da tempo questa necessità e finalmente ho trovato il modo ed il tempo per attuare questa piccola rivoluzione che ha come obiettivo “darvi tutto quello che posso”: vi presento la Super-Newsletter!

Innanzitutto con la “Super Newsletter” ricevete gratuitamente ed immediatamente un breve video che spiega come migliorare facilmente i nostri rendering.

Avrete la possibilità di ricevere le notifiche dei nuovi articoli come prima, ma anche di ricevere il meglio del mio blog: un’antologia accuratamente selezionata di video, tutorial, scene gratuite, quiz..  un’occasione imperdibile per conoscere a fondo 3D Blog. Vi anticipo inoltre che di tanto in tanto scriverò qualcosa di speciale solo per gli iscritti…. ;-) Quindi iscrivitevi subito!

Nel video in regalo spiego come migliorare facilmente i rendering, come renderli più “corposi”, tutto in pochi minuti!

PS Ringrazio tutti i nuovi iscritti che hanno visto il video e che mi hanno scritto per ringraziarmi! Grazie a voi!

Quello che però può accadere è di ottenere in rendering una superficie estremamente ruvida, di una ruvidezza strana però, quasi innaturale.

Se l’effetto è ricercato, ben venga! Ma se non è quello che volevamo, come possiamo rapidamente modificare la texture ed eliminare quella fitta e strana ruvidezza? Quello che dobbiamo fare è trovare il modo di “levigare” un pò la texture!

Uno strumento molto utile in questi casi è il filtro cutout, di photoshop:

Con Cutout riduciamo a nostro piacimento le sfumature presenti in una immagine, risolvendo così gran parte del problema.

La classica procedura per creare la mappa di displacement è la seguente:

1. Trasformare in bianco e nero la texture diffuse
2. Operare sui livelli per contrastare al massimo la texture
3. Savare con altro nome ed applicarla nel canale displacement

Oggi voglio suggerirvi di aggungere un ulteriore passaggio:

• Applicare il filtro cutout (per ridurre le variazioni di colore)

La differenza nel risultato finale potete vederla cliccando sull’immagine qui di seguito:

Volendo, infine si potrebbe anche il filtro Gaussian blur per rendere gli sbalzi ”dolci” quanto si vuole. Ed è proprio quello che ho fatto in questa immagine in alto.

Spero che questo piccolo suggerimento vi torni utile e ne approfitto per augarvi un 2010 ricco di soddisfazioni!

Vorrei ringraziare Antonio Tarantino, che mi ha mostrato questo trucchetto molto utile durante il corso tenuto a Reggio Calabria in settembre! Quando dico che ai miei corsi io imparo più dei corsisti… è vero!

Se vuoi partecipare al mio prossimo corso alla scuola Uofh®, compila questo form:

Forse non tutti hanno sentito prima questo nome, allora spendiamo giusto 2 righe per capire di cosa parliamo. La render farm è semplicemente una struttura, realizzata con svariati computer connessi in rete, in grado di elaborare una gran quantità di dati. Sono spesso utilizzate per produrre animazioni, quando fare tutto con qualche pc richiede troppo tempo o comunque più di quello a disposizione.

Volete la verità? In settimana mi sono trovato proprio nella situazione descritta prima! Così mi sono messo all’opera – per prima volta – con una render farm online e mi sono trovato benissimo!

La mia scelta è caduta su Rebusfarm. Si tratta di una renderfarm online automatizzata, funzionante 24/24h. Devo dire che è stato semplicissimo ed ho completato il mio render (6000 x 3500 pixel) in 1h30′ spendendo 35€.

Ma come funziona tutto il sistema? Ogni renderfarm ha un proprio procedimento, quello che ho sperimentato io funziona così: installi un loro plugin (farminizer), apri 3ds max e nel menù render appare una nuova voce: “Render with farminizer”.

A quel punto si parte con l’upload, verifica dei vari errori possibili e infine render, come se tutto stesse avvenendo sulla propria macchina, mentre di fatto stiamo “telecomandando” una “fabbrica del render” chissà dove: Simpatico no?  (ulteriori dettagli / video)

Devo dire che mi sono trovato davvero bene, è stato semplicissimo e mi ha risolto un bel problema!

Ma vieniamo ai costi: come vengono calcolati? Per quello che ho visto, la maggior parte delle renderfarm ha un costo stimato in “Ghz per ora”: più macchine lavorano, più Ghz vengono messi in ballo contemporaneamnte, più sarà rapido il render ed alto il costo.

In pratica, il mio render è stato utimato in 1h30′ con l’impiego di 260ghz. Dato che Rebusfarm propone 0,09€ (Ghz/Ora) il costo finale è stato:

• 0,09 (€)  * 1,5 (ore) * 260 (Ghz impiegati)  = 35€.

Ovviamente Rebusfarm non è l’unica. Ce ne sono tante e certamente tutte valide. Ho scelto questa perché il video (che vi ho linkato) mi ha subito convinto e… non avevo molto tempo a disposizione!

A buon render (-:

Non perdere l’ultimo video che spiega tutto come non l’hai mai sentito prima!
VIDEO: Rapporto tra pixel e dpi << Da non perdere!

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Circa un anno fa ho scritto un articolo in cui condividevo alcune mie esperienze fatte con la stampa di cartelloni da cantiere e relative dimensioni e dpi per una buona stampa: Rendering di grandi dimensioni.

Vi propongo una tabella in cui associo grandezza e dpi per ottenere un ottimo risultato in fase di stampa:

La prima domanda che dovrebbe sorgere è: come mai se raddoppio le dimensioni della stampa, non raddoppiano anche i pixel? Non raddoppiano proprio perché più grande è l’immagine, minore è la densità di pixel di cui abbiamo bisogno (dpi). Un manifesto di 6 metri non lo guardiamo da vicino così come facciamo con un libro!

Se osserviamo un manifesto da vicino ci accorgeremo che non ha una gran qualità; proprio perché è fatto per essere osservato a maggiore distanza. Fanno eccezione le immagini che contengono testi in vettoriale, quelli appariranno definiti a qualunque grandezza.

Ma in caso di rendering – che è il nostro argomento – questa tabella dovrebbe aiutarvi a risolvere qualche dubbio e spero soprattutto a capire la relazione tra dpi e qualità di stampa:

• Stampa piccola > Alta risoluzione
• Stampa molto grande > Bassa risoluzione

In sintesi : come si usa questa tabella? Se sai di dover stampare ad esempio a tutto foglio su un A2, basta renderizzare un’immagine di 4677 * 3307 pixel e tutto andrà per il meglio. Se quest’articolo ti piace, per favore, clicca OK in basso.

• Se non l’hai ancora fatto guarda questo video: Rapporto tra pixel e dpi
  Da non perdere!

PS Una volta ho stampato un 5m x 3m a 18dpi: è venuto benissimo!

Avviso: Quest’articolo è un consiglio gratuito per tutti quelli che cercano un metodo per stampare rendering di grandi dimensioni. Ogni applicazione è a rischio e pericolo di chi la attua.

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Chi ha dato un’occhiata su facebook avrà letto che lo scorso articolo era il 400° da quando 3d Blog esiste. Vi ringrazio per gli auguri e per il sempre presente incoraggiamento a continuare!

Oggi vorrei chiedervi un regalino. Grazie ai vostri preziosi suggerimenti ho scritto – ABBIAMO SCRITTO – tanti articoli interessanti. Se reputate che i contenuti di questo blog siano validi facciamoci un regalino per diffondere questo blog.

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> In basso vedete 2 link per l’operazione diffusione <

OK|NO: Basta 1 secondo! Clicca su OK per dire che questo blog ti piace!

FACEBOOK: Clicca il link per pubblicare sulla tua bacheca questo semplice articolo. (in realtà da oggi in poi potrai farlo per tutti gli articoli interessanti da condividere)

I link sono qui sotto. Auguri e grazie ancora di essere qui (-:

Ricordo come fosse oggi che ne parlavo con Bruno del corso V-Ray a Merano. Eravamo nel mitico ristorantino Tenebaum ed avevamo appena finito di mangiare un sublime risotto ai funghi porcini (indimenticabili!) , quando iniziammo a parlare di come evitare che una texture replicata su un oggetto dia il fastidioso effetto duplicazione/quadrettato.

Questo succede spesso quando utilizziamo come texture, foto scattate da noi. In quell’occasione dissi a Bruno che  l’ideale sarebbe di scattare foto con cielo nuvoloso. In tal modo la luce uniformemente diffusa risolve il problema alla radice.

Ma come fare se abbiamo una texture e la sua luminosità non è uniforme? Inevitabilmente darà segni di duplicazione.. come risolvere il problema?

Utilizziamo un filtro poco conosciuto di Photoshop che si chiama High Pass Filter. Seguite lo schema qui sotto indicato per capire come disporre i livelli su photoshop:

( Texture tratta dalla fantastica collezione Mayang – link texture )

Riassumendo il tutto si fa in 3 passaggi:

1. Duplicare il livello della texture da “trattare”
2. Al nuovo livello applicare:  Filters> Other > High Pass Filter (vi raccomando di scegliere un valore tale da non perdere troppo dettaglio)
3. Al nuovo livello assegnare “Luminosity” come tipo di fusione

Ecco un piccolo test sulla “duplicabilità” prima (test1) e dopo il trattamento (test2):

Per avere una texture perfetta per la duplicazione non vi resterà che risolvere il problema della “trama” con un semplice timbro. Ma in genere il grosso è risolvere la luminosità.

Spero che questa piccola informazione vi torni utile per bilanciare le luminosità delle vostre texture.

VIDEO

Tempo fa ho fatto un video per il mio blog inglese CG-BLOG. Il video illustra questa procedura con qualche commento nel mio miserabile inglese. Sono sicuro che ti sarà utile:

Non voglio tirarla per le lunghe. Volete simulare il mare con V-Ray così come vedete nell’immagine in alto? Scaricate la scena gratuita – LINK! (V-ray + 3ds 2009)

Per  i più curiosi, mi fa piacere spendere 2 paroline per approfondire la semplicità di questo metodo. Lo dico spesso ai corsi: ci sono metodi e principi. Chi conosce conosce i principi troverà sempre la strada in ogni situazione, ma a chi conosce solo i metodi (tutorial) basterà variare una virgola per andare in confusione.

Qual’è il principio in questo caso? Il classico “noise” non è adatto a simulare il mare perché il mare ha delle ondulazioni, all’interno delle quali ci sono altre piccole ondulazioni, all’interno delle quali ci ancora piccolissime ondulazioni… e così via.

Avendo chiaro questo principio, create una nuova immagine su photoshop e cliccate: Filter > Render > Clouds. Il risultato sarà un’immagine di questo tipo:

Vista da lontano appare con grandi aree bianche e nere, all’interno delle quali ci sono variazioni più piccole delle stesse. Non trovate che abbia un comportamento molto simile al mare? Usiamo questa texture nel canale “displacement” del materiale mare ed il gioco è fatto. (Il valore del displacement regolerà l’altezza delle ondulazioni)

Per quanto riguarda il resto del materiale “mare”, non ho fatto niente di straordinario. E’ di colore verde scuro (rgb=32,61,64) ma soprattutto riflette in modo fresnel: cioè quando aumenta l’inclinazione, aumenta la riflessione. Naturalmente mi faccio furbo e metto il sole abbastanza inclinato in modo da accentuare l’effetto e riflettere molto cielo, soprattutto in lontananza.

Posso darvi un consiglio di cuore? Non accanitevi sui soli metodi (tutorial) ma soprattutto approfondite i principi. Solo così vi formerete la mentalità giusta per affrontare tutte le situazioni. Nei miei corsi insisto molto su questo aspetto e vedo che porta i suoi frutti (-:

• >> DOWNLOAD SCENA MARE /V-ray